By Self-Suchness 2024 Copper foil on Korean paper 267x780x600cm
조현수 작가의 성과에 관한 메모: 내면에 깃드는 자연의 풍경이, 먹빛 너머의 회화-시공으로 피어나고
≪조현수 개인전: 스스로 그러한≫
20241206-1215, 달천예술창작공간
글 _ 이정우-임근준, 미술·디자인 이론/역사 연구자
01. 찬(讚)
단절된 정신과 자연이 다시 만나는 자리. 가치를 그리는 선이 면을 펼치고, 울림을 품은 면이 마술적 공간을 짓고, 그 변조된 공간에 바람이 불어온다.
먹이 스러지는 곳에 빛이 피어나고, 시간이 쌓이는 곳에 미지의 관문이 열린다. 옛 수묵산수로 꿈꾸던 자연과의 조우가 촉각적 공감각으로 되살아나는 순간, 관객은 빛의 결을 따라 새로운 정신의 풍광으로 걸음을 내딛는다.
부식된 동박이 들려주는 물질의 이야기는 현대인의 삶에서 잊혀진 천지의 시간과 법을 다시 불러온다. 사라진 고인돌 무덤에서 청동 방울 소리가 들려오는 듯하다. 베풀어지는 빛의 축복 속에 만물원색의 평원이 펼쳐지면, 본형의 질서는 알에서 분열을 시작하고, 우리 몸 깊은 곳에 잠들어 있던 고대의 거슴프레한 운/율이 심안을 일깨운다.
마치 향망(向望/鄕忘)의 무이구곡에 들어선 듯 청쾌한 기운이 감도는 이 자리에서, 관객은 제 박동을 느끼며 잃어버렸던 천지인의 숨결과 조우한다. 구름처럼 부유하는 초묵의 화면은 때로는 거친 산맥의 단면이 되고, 때로는 은은한 달빛의 수구가 되어, 씻긴 마음의 풍경을 차례로 펼쳐낸다.
이제 그림은 옛 선비들의 화첩에서 자라나 천지 자연과 인간 정신이 화해를 시도하는 빛과 색의 시간과 공간이 된다. 분절된 감각의 현대인이 이 고요한 시공을 거닐며 자연의 숨결을 되찾고, 각자의 시간 속에서 새로운 산수의 이상향을 꿈꾼다.
기계적 시간이 멈추고 천지의 시간이 회복되는 이곳에서, 나는 다시 시작되는 색과 빛의 실험과 혁신을 목도한다. 거장 장상의의 사의수묵에서 조현수의 초묵색광화(超墨色光畵)에 이르는 여성 수묵화가들의 도전과 성취는, 남성 중심의 수묵 전통에 새로운 상생의 탈출구를 제시한다.
과연 스스로 그러하니, ‘자연(自然)’이로다.
02. 부연(敷衍)
조현수 작가는 2017년 국립창원대학교 예술대학 미술학과를 한국화 전공으로 졸업하며 곧바로 동교 대학원에 진학해 2019년 졸업했다. 2020-2023년 코로나 판데믹 시기의 어려움 속에서도 굴하지 않고 왕성한 활동을 전개하며 주제와 매체 양 차원에서 실험을 거듭해왔다.
2019년 개인전 ≪AFTER-IMAGE≫(성산아트홀, 창원)를 열고, 같은 해 개인전 ≪바람은 그대 쪽으로≫(프로젝트 경성방직, 서울)를 열었다. 경남 지역과 서울을 오가는 활동을 시작했던 셈. 2020년 개인전 ≪SPROUT≫(로그캠프, 창원)을 열었으니, 이번 개인전이 네 번째라고 할 수 있다.
2016년경부터 금속 재료의 부식 과정과 효과에 관심을 기울이기 시작했고, 금속 재료의 물성에 기반을 둔 회화 작업으로 한국화의 정체성을 재탐구하는 일에 도전하게 됐다. 작가가 어떤 성취의 관문에 도착한 시점은, 2017년 ≪Painting of bamboo #4≫(Copper foil on Korean paper, 145×60.5cm)를 제작하면서부터. 과거 신남화의 화면처럼 공기의 깊이감을 추구하는 동시에, 촉각적 시각성의 회화성을 통해 묵죽도를 미래지향적으로 재창안해내는 단계에 이르는 놀라운 순간이었다.
이러한 작업들이 더 진전되면서 2019년부터 빛을 투과하는 종이의 특성을 극대화해 앞뒤로 모두 감상할 수 있는 그림들이 나타나기 시작했는데, 그 결과가 집대성되는 자리가 2023년의 그룹전 ≪N ARTIST 2023_더 느리게 춤추라≫(경남도립미술관)이었다. 여러 장의 그림을 장막으로 드리움으로써 회화의 경험 공간을 구축해놓은 작가는, 빛을 반사하고 투과시키는 자신의 부식 회화를 통해, 관객 여러분이 자연스럽게 한국화의 그림 속으로 걸어들어오도록 유도했다.
따라서, 화가는 달천예술창작공간에서 제4기 입주작가의 자격으로 체류하는 2024년 10개월간의 연구와 실험을 통해, 한국화의 재창안뿐만 아니라 회화적/조각적 공간으로 한걸음 더 나아가고자 했다. 다음은 그의 작업의 변 일부다.
“올해 새로운 지역으로 옮기게 되면서 자연스럽게 운전하는 시간이 많아졌다. 긴 여정을 거치며 여러 터널을 지나다 보면 터널을 빠져나올 때마다 산의 풍경이 앞 유리창을 가득 채우곤 했다. 그 풍경을 바라보며 나를 둘러싼 자연의 존재를 새롭게 느낄 수 있었다. 산은 오랜 시간 고요히 그 자리를 지키면서도 계절과 시간의 흐름 속에서 끊임없이 변화하고 있었다. 나는 그런 자연을 보고 경외심을 느꼈다.
나는 이러한 자연의 흐름과 변화를 공간 속에 담아내고 싶다. 산맥의 현존에 심입(心入)하기 위해, 동박을 닥종이에 붙이고 부식시킨 후 구겨서 산의 형태를 구현하고 이를 공간에 펼치며 조명과 함께 변화하는 자연의 기운생동을 포화(捕畫)해내고자 한다. 스스로 변하고 존재하는 자연의 법칙을 탐구하며 그 속에 담긴 생명력과 자율성을 시각적-조형적으로 담아내려는 시도다.
나의 작품을 통해 관객 여러분이 자연의 생명력을 새로운 방식으로 느끼고 시간의 흐름과 함께 변화하는 자연의 본질을 메타-체험할 수 있기를 바란다.”
달천예술창작공간에서 체류하는 동안 조현수 작가는, 달성군 지역을 주제로 프로젝트 ≪Blue Green Landscape≫를 전개했다. 달성군의 비슬산과 와룡산을 거닐며 풍경을 감상하고 촬영하고 스케치를 전개한 작가는, 이러한 조사 연구 작업을 바탕으로 더 큰 목표를 품어냈던 것. 청록산수의 전통을 해체-재창조하는 것을 목표로, 학구적 자세로 재료 연구를 전개했다.
결과 보고전 형식의 전시 ≪조현수 개인전: 스스로 그러한≫(20241206-1215, 달천예술창작공간)을 통해 작가는 진일보한 조형 언어와 동적 이상을 동시에 제시해냈으니, 앞으로 더 큰 성취가 연이어지리라 기대한다. ///
추신) 작가가 금속의 변화하는 속성에 관심을 기울이게 된 것은, 과거 금속 작업을 병행 실험하면서부터였다고 한다: “야외조각장에서 자연스럽게 변화하는 금속의 모습을 관찰하며, 금속의 강인하고 정적인 이미지를 넘어선 자연스러운 변화의 아름다움을 발견했습니다. 이를 통해 동의 물성 연구를 시작하게 되었고, 동 박에 다양한 재료를 활용하여 색과 질감 표현을 연구했습니다.”
하면, 자연 속을 거니는 경험을 주제로 삼게 된 계기는 무엇이었을까?: “담양 대나무숲에서의 경험이 자연을 탐구하게 된 결정적 계기였습니다. 소나기가 그친 후 대나무 잎 사이로 스며드는 빛을 보며 받은 위로의 감동과 흥취를 작품에 담아보고자 했습니다. 이를 계기로 자연을 따르는 조형에 동박을 콜라주하는 작업을 시작했고, 시간의 흐름에 따라 자연스럽게 변화하고 부식되는 동박의 특성을 활용해 자연의 메타-풍경으로 생동하는 운과 율의 세계를 구현하고자 합니다.”
지지체 등 매체적 조건에 대한 입장을 어떻게 정리하고 있을까?: “닥종이를 주요 재료로 활용해 그 고유한 질감과 따뜻함, 유연성을 작품에 반영하고자 합니다. 자연과 인공의 빛을 적극적으로 포용하는 기세 특정적 설치 작업을 통해 닥종이의 물성을 극대화하고, 빛과 그림자의 변화로 다양한 차원과 깊이를 탐험하려고 합니다. 자연의 일변하는 형상, 특히 나무와 식물의 유기적 형태와 모양, 바람에 흔들리는 잎의 움직임과 색채에 주목하고 있습니다. 자연의 다채로운 색과 형이 창출해내는 조화로운 순환을 닮아가고자 합니다.”
추신2) ‘초묵색광화(超墨色光畵)’의 정의: 전통 수묵화의 정신과 기법을 바탕으로 하되, 먹의 매체적 한계를 넘어 색채와 빛의 요소를 적극적으로 활용함으로써 시간의 흐름에 따라 자연스럽게 변화하는 새로운 과정-형식의 회화를 일컫는다.
Jo Hyeonsu’s Achievements: The Landscape of Nature Dwelling Within, Blossoming into a Painting-Time-Space Beyond the Ink
«Jo Hyeonsu Solo Exhibition: By Self-Suchness»
2024.12.06 – 12.15, Dalcheon Art Creative Space
Written by _ Lee Jungwoo – Lim Geunjun, Art and Design Theory/History Researcher
01. Praise (讚)
A place where the disconnected mind and nature reunite. The line that draws value unfolds into a plane, the plane that holds resonance constructs a magical space, and the transformed space welcomes the wind.
Where the ink fades, light emerges, and where time accumulates, an unknown gateway opens. The long-dreamed encounter with nature in ancient ink landscapes is revived through tactile synesthesia. As the viewer follows the texture of light, they step into a new spiritual landscape.
The material story narrated by the corroded copper leaf recalls the forgotten time and law of heaven and earth in modern life. It is as if the sound of a bronze bell echoes from a vanished dolmen tomb. When the plains of primordial colors unfold under the blessing of bestowed light, the original order begins to divide from an egg, awakening the ancient, slumbering rhythm deep within us.
As if stepping into the Nine Bends of Wuyi, filled with an uplifting aura, the viewer senses their own pulse and encounters the breath of heaven, earth, and humanity that had been lost. The floating ink-washed screen becomes at times the rugged cross-section of a mountain range and at other times the subtle reflection of moonlight, sequentially revealing the landscape of a purified mind.
Now, the painting grows beyond the albums of ancient scholars, transforming into a time and space of light and color where heaven, earth, nature, and the human spirit attempt reconciliation. As fragmented sensory beings of modernity walk through this tranquil space-time, they rediscover nature’s breath and dream of a new ideal of landscape within their own time.
Here, where mechanical time halts and the time of heaven and earth is restored, I witness the continued experiments and innovations of color and light. The challenges and achievements of female ink painters, from the Four Intentions Ink of Grand Master Jang Sangyi to Jo Hyeonsu’s Super-Ink Color Light Painting, suggest a new path of coexistence beyond the male-dominated tradition of ink painting.
Indeed, it is By Self-Suchness, ‘nature (自然).’
02. Elaboration (敷衍)
Jo Hyeonsu graduated from the Department of Fine Arts at the College of Arts, Changwon National University in 2017, majoring in Korean painting, and immediately pursued graduate studies at the same university, completing her degree in 2019. Despite the hardships of the COVID-19 pandemic from 2020 to 2023, she continued her vigorous artistic practice, experimenting with both themes and media.
In 2019, she held a solo exhibition, ≪AFTER-IMAGE≫ (Seongsan Art Hall, Changwon), followed by another solo exhibition the same year, ≪The Wind Blows Towards You≫ (Project Gyeongseong Bangjik, Seoul). This marked the beginning of her activities spanning both the Gyeongnam region and Seoul. In 2020, she held a solo exhibition, ≪SPROUT≫ (Logcamp, Changwon), making this her fourth solo exhibition.
Around 2016, she became interested in the corrosion process and effects of metal materials, leading her to challenge the identity of Korean painting through metal-based paintings. A pivotal moment of achievement occurred in 2017 when she created ≪Painting of Bamboo #4≫ (Copper foil on Korean paper, 145×60.5cm). This work simultaneously pursued the depth of air reminiscent of Shin Namhwa’s paintings while reinventing ink bamboo painting with a futuristic sensibility through tactile visuality.
As her work progressed, she began maximizing the translucency of paper in 2019, leading to paintings that could be appreciated from both front and back. This approach culminated in the 2023 group exhibition ≪N ARTIST 2023: Dance More Slowly≫ (Gyeongnam Provincial Museum of Art). By layering multiple paintings as a curtain, she constructed an experiential space for painting, inviting the audience to naturally step into the realm of Korean painting through her corroded, reflective, and translucent works.
Thus, as a 4th-term resident artist at Dalcheon Art Creative Space in 2024, she aimed to take another step beyond the reimagining of Korean painting, expanding it into painterly/sculptural space through a year of research and experimentation. The following excerpt is a part of her artist statement.
“This year, as I relocated to a new region, I naturally began driving more frequently. Passing through numerous tunnels on long journeys, I noticed how each time I emerged from a tunnel, the mountainous landscape would suddenly fill my view through the car window. In those moments, I experienced a renewed awareness of nature’s presence around me. Mountains remain quietly in place for long periods, yet they are in constant flux with the changing seasons and passage of time. Observing such nature, I felt a profound sense of awe.
I want to capture this flow and transformation of nature within space. To deeply engage with the presence of mountain ranges, I adhere copper leaf to dakjongi (traditional Korean paper), let it corrode, crumple it to shape the mountains, and unfold it into space, incorporating lighting to encapsulate the vitality of a changing natural world. This is an attempt to visually and sculpturally embody the life force and autonomy inherent in the self-transforming and self-existing laws of nature.
Through my work, I hope the audience can experience the vitality of nature in a new way and engage in a meta-experience of nature’s essence as it transforms over time.”
During her residency at Dalcheon Art Creative Space, Jo Hyeonsu developed the project ≪Blue Green Landscape≫, themed around the Dalseong region. She explored, photographed, and sketched landscapes of Biseulsan and Waryongsan, ultimately envisioning a larger goal based on this research. With a scholarly approach to material studies, she sought to deconstruct and reimagine the tradition of Cheongnok sansu (blue-green landscape painting).
Through the final exhibition of her residency, ≪Jo Hyeonsu Solo Exhibition: By Self-Suchness≫ (2024.12.06 – 12.15, Dalcheon Art Creative Space), she presented a more advanced formal language and dynamic ideals, raising anticipation for even greater future achievements. ///
P.S.) The artist first became interested in the transformative properties of metal while conducting parallel experiments with metalwork: “Observing the natural transformation of metals at outdoor sculpture sites, I discovered a beauty beyond their rigid and static image. This led me to study the properties of copper, experimenting with various materials to explore color and texture.”
So, what led her to focus on the experience of walking through nature?: “My experience in the Damyang bamboo forest was the decisive moment that deepened my exploration of nature. After a sudden rain shower, I saw light filtering through the bamboo leaves. The comfort and inspiration I felt in that moment led me to incorporate copper leaf collages into nature-based compositions. By utilizing the properties of copper leaf, which changes and corrodes naturally over time, I seek to create a meta-landscape that embodies the living rhythm and movement of nature.”
How does she define her stance on media conditions such as supports and materials?: “I use dakjongi as a primary material to incorporate its unique texture, warmth, and flexibility into my work. Through site-specific installation pieces that embrace both natural and artificial light, I aim to maximize the material properties of dakjongi and explore various dimensions and depths through changes in light and shadow. I focus on the organic shapes and forms of nature, particularly the movement and colors of leaves swaying in the wind. I aspire to mirror the harmonious cycle of colors and forms that nature continuously creates.”
P.S.2) Definition of ‘Super-Ink Color Light Painting (超墨⾊光畵)’: A painting process and format that, while rooted in the spirit and techniques of traditional ink painting, surpasses the medium limitations of ink by actively incorporating elements of color and light, evolving naturally with the passage of time.